VANGUARDISMO
El vanguardismo se hace simplemente a través de
varios movimientos que, desde planteamientos divergentes, abordan la renovación
del arte o la pregunta por su función social, desplegando recursos que quiebren
o distorsionen los sistemas más aceptados de representación o expresión
artística, en teatro, pintura, literatura, cine, arquitectura o música, entre
otros.Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se
produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX, desde donde se
extendieron al resto de los continentes, principalmente hacia América, en donde
se enfrentaron al modernismo.
La característica primordial del vanguardismo es
la libertad de expresión, que se manifiesta alterando la estructura de las
obras, abordando temas tabú y desordenando los parámetros creativos: en
poesía se rompe con la métrica y cobran protagonismo aspectos antes
irrelevantes, como la tipografía; en arquitectura se desecha la simetría, para
dar paso a la asimetría; en pintura se rompe con las líneas, las formas, los
colores neutros y la perspectiva.
Piet Mondrian
EXPRESIONISMO
Los expresionistas, básicamente, defendían un arte
más intuitivo y personal, donde lo que mandase es la visión interior del
artista, la expresión versus la impresión. La intensidad de la expresión
más sincera del artista es la máxima del Expresionismo, inclusive si en ese
afán se atenta contra el equilibrio de la obra.
Ya no interesa representar de manera real y
objetiva la realidad de lo
que sucede sino que el artista exprese en pleno sus emociones y sus
sentimientos, que es ciertamente pesimista y la angustia dominará la
estética. Generalmente, al expresionismo se lo interpreta como la deformación
de la realidad para expresar de la manera más subjetiva posible tanto la
naturaleza como el ser humano, dándole prioridad a la expresión de los
sentimientos más que a la descripción objetiva de las cosas y la realidad.
FAUVISMO
El fauvismo ha sido considerado como una de
las más claros exponentes del Expresionismo, teoría pictórica que se
basaba en la noción de que las representaciones de la realidad deben dejar
ver los sentimientos, el estado de ánimo y las sensaciones del autor más
que guiarse por la lógica y la linealidad. El nombre de Fauvismo se relaciona
con el término francés ‘Fauve’ que significa bestia o animal salvaje. Los
pintores fauvistas, buscaban utilizar colores que destacaran por su
vibrante tono, además de representar formas que en ocasiones perdían su estilo
figurativo y que raramente eran coloreadas con las tonalidades observadas en la
naturaleza. El uso de la línea fuerte e irregular, así como también de formas
abstractas era otra de las grandes constantes del fauvismo. Muchas veces,
el fauvismo recorría a colores contrastantes entre sí y la importancia central
que le daban a cuestiones como esta les hizo dejar de lado
(voluntariamente) el interés por la perspectiva, el claroscuro, el detalle.
Se considera que el fauvismo es una evolución
del Impresionismo ya que el segundo fue el responsable de quebrar los
cánones tradicionales y academicistas de la pintura para dar lugar a numerosas
vanguardias artísticas que dominaron el siglo XX y que significarían otro modo
completamente diferente de representar la realidad. Entre los artistas
fauvistas más reconocidos debemos mencionar a Henri Matisse, quien
además fue el fundador del movimiento, a Raoul Dufy, Georges Braque, André
Derain y Maurice De Vlaminck.
CUBISMO
Desarrollado por las mentes geniales de Pablo
Picasso y Georges Braque, entre otros, el cubismo es sin dudas una de las
vanguardias artísticas más importantes, significativas e influenciales de todo
el siglo XX. Su carácter se basó en la idea de quebrar la imagen real en
formas geométricas (especialmente cubos y triángulos) para representar
de manera novedosa la noción de numerosos puntos de vista para una misma
realidad.
El cubismo tuvo su apogeo en los primeros años del
siglo XX, habiendo surgido cerca del final de la primera década y extendiéndose
su crecimiento hasta mediados de la década de 1910. En este sentido, se puede
decir que el cubismo fue una de las primeras vanguardias artísticas del siglo y
una de las primeras corrientes artísticas que rompían con los parámetros tradicionales
y academicistas respecto del modo en que una imagen debía ser representada.
El cubismo tuvo como base ideológica la
noción de que una imagen es siempre observada desde diferentes puntos de
vista, al ser esta tridimensional. Esto llevó a los artistas que
desarrollaron esta corriente a buscar nuevas formas de representación pictórica
entre las cuales el quiebre con la imagen real se hizo presente a través de la formación
de cubos y otras formas geométricas. La presencia de numerosas y
ciertamente caóticas formas geométricas daba a la imagen una complejidad
única que tenía como objetivo representar la complejidad de la vida
cotidiana.
Se puede dividir al cubismo en dos grandes etapas:
la primera, el cubismo analítico; y la segunda, el cubismo sintético.
Mientras que en el primer período los artistas se dedicaban al análisis de
las imágenes y a la reconstrucción de las mismas a través de estas formas
geométricas, en el segundo período los mismos autores desarrollaron nuevas
técnicas que permitían el trabajo con diversas texturas y superficies tales
como el collage para crear novedosas obras pictóricas. El cubismo tuvo un claro
e íntimo vínculo con la ideología política de tipo anárquica y esto se hace
visible en la forma caótica, desordenada y ciertamente quebrada que muestran
las pinturas de este estilo artístico. Estas corrientes ideológicas tuvieron
especial importancia en España en el período mencionado y significaron una
respuesta a los conflictos y crisis por los que gran parte del país pasaba en ese
entonces.
Pablo Ruiz Picasso
POSIMPRESISMO
Este término engloba diversos estilos personales
planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo
a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores
vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y
temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión
a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar
fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.
Georges Seurat, denominado neoimpresionista por sus
criterios más próximos al impresionismo, inventó una técnica denominada puntillismo.
Una tecnica usada actualmente por diseñadores graficos y arquitectos. Paul
Cezanne y Vincent Van Gogh son dos de los exponentes mas reconocidos de esta
rama de los cuales mi favorito es Van Gogh.
DADAISMO
El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en
contra de las convenciones literarias, y especialmente artísticas,
por burlarse del artista burgués y de su arte. Su actividad se extiende
a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura
pasando por la pintura o la música. Para los miembros del Dadaísmo, este era un
modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos dadaístas
(acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación
dadaísta). Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el
Dadaísmo crea una especie de antiarte moderno, es una provocación
abierta al orden establecido.
Se podría decir que era el adolecente inteligente
de la cultura, como todo adolecente se rebela ante lo existente al crear su
propia y logica realidad y a la vez es inteligente porque este muestra
fundamentos que le permiten cuestionar lo existente y asi poder separar los
trabajos artisticos de los que no. Un ejemplo moderno seria el cuestionar las
representaciones modernas de arte, si bien muchas son inspiradas en las
corrientes aqui mencionadas tambien muchas "nuevas corrientes" son
copias de las existentes, lo que permite a los dadaistas generar una critica y
evitar la creación de esas "nuevas corrientes" para asi mantener un
equilibrio entre lo nuevo y lo viejo y a la vez evitar la depravación de lo
viejo por algo nuevo que si bien no es nuevo, copia y pervierte a la corriente
en algo que corre el riesgo de ser olvidado y con ello manchar la corriente
original.
Marcel Duchamp
SUPREMATISMO
El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado
en formas geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el
círculo), que se formó en Rusia en 1915-1916. Se inició con las ideas
del pintor Kazimir Malévich, quien promovía la abstracción geométrica y el
arte abstracto, en búsqueda de la supremacía de la nada y la
representación del universo sin objetos. El Suprematismo rechazaba el arte
convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción
geométrica. Se desarrolló entre los años 1913 y 1923, siendo su primera
manifestación la pintura de Malévich “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de
1915. La primera exposición del suprematismo fue en Moscú en 1915 donde se
mostró por primera vez el Cuadrado Negro y el Cuadrado rojo.
Los suprematistas no seguían los estilos
tradicionales de la pintura, y no trasmitían mensajes sociales. Las
obras suprematistas fueron aumentando su colorido y composición con el paso del
tiempo. El suprematismo (como la obra de Wassily Kandinsky y el
Neoplasticismo) fue uno de los principales logros de la abstracción.
Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia, ejerció una gran influencia en
el desarrollo del arte y el diseño de Occidente y en la Bauhaus.
Kazimir
Malévich
ARTE ABSTRACTO
Arte abstracto es un concepto
general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial
del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La
abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación
o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza
cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del
artista. El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y a distintas
artes visuales: pintura (pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y
artes gráficas (artes gráficas abstractas). Su aplicación a otras artes
plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o a artes no plásticas
(música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es menos evidente,
pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.
Se entiende por arte abstracto el
que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes,
figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como
objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida
de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí
misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural. El arte
abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación
figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo,
dotado de sus propias significaciones (iconografía). El arte abstracto usa
un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que
puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
La abstracción se aparta de la
realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una
representación exacta puede ser sólo ligero, parcial o completo. La
abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud
del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la
representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se
toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras
evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total
no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible.
Wassily Kandinsky
SURREALISMO
Movimiento artístico y literario
que surgió en Francia después de la Primera Guerra Mundial y que se inspira en
las teorías psicoanalíticas para intentar reflejar el funcionamiento del
subconsciente, dejando de lado cualquier tipo de control racional.
Es decir, en base a una idea esta
se representa de multiples formas pero sin ninguno de los elementos que lo
caracteriza, es como representar un balon con una esfera pero con ningun
material caracteristico del balon. Dando una apertura a la imaginacion de quien
lo representa y quien lo interpreta al representar una esfera.
Max Ernst
http://taskabron.blogspot.mx/2015/11/max-ernst-surrealista.html
IMPRESIONISMO
El movimiento plástico impresionista se desarrolló
a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa (principalmente en Francia)
caracterizado, a grandes rasgos, por el intento
de plasmar la luz (la impresión visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir,
si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban
el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. Fue clave
para el desarrollo del arte posterior, a través del postimpresionismo y las
vanguardias.
Un autor clave entre los precursores del movimiento
impresionista es Édouard Manet. Dos de sus obras son esenciales en la
comprensión de su influencia sobre el grupo. En su Almuerzo sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las
figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una
naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos
personajes con otros, tres personajes van vestidos mientras que el cuarto está
desnudo; las miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la
disposición en primer (cesta y comida), segundo (grupo) y tercer término (mujer
en el agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los
impresionistas en la desatención del modelo y de la narración. Por otra parte El bar del Folies-Bergère evidenciará
el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que
refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña,
iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto,
más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir.
La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la
definición de las condiciones particulares de iluminación. Por eso los artistas
impresionistas buscarán condiciones
pintorescas de iluminación como retos
a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial. Así las formas se diluyen, se mezclan o se
separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas,
dando lugar a esa impresión que le da nombre al movimiento.
Edouard Manet - Padre del Impresionismo al ser fuente principal de inspiracion
Pierre-Auguste Renoir
Oscar Claude Monet
REALISMO
Su principal
propósito consistió en la representación
objetiva de la realidad basándose en la observación de los aspectos cotidianos que brindaba la vida en la
época. Los artistas entendían el
realismo como una reacción frente al
movimiento romántico que se evadía en sus mundos de ensoñación, de
recuerdos históricos; es un estilo que refleja
la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos o alegóricos.
Su fidelidad al detalle lo diferencia de la glorificación idealizadora
romántica, y su concentración en los rasgos esenciales y típicos de los
caracteres, situaciones y acciones lo distingue del reflejo de la realidad en sentido naturalista o fotográfico. El
hombre, sin exaltaciones místicas ni abstracciones académicas se convierte en
el centro de la nueva estética, por lo tanto el eje central del realismo es el vínculo directo con todos los aspectos
de la vida, incluidos los más inmediatos y cotidianos; se destierra la
mitología, la evocación histórica, la belleza convencional de los cánones
clásicos. El mundo del trabajo, visto desde esta perspectiva de denuncia, de
valoración positiva del esfuerzo de las clases trabajadoras, las escenas
cotidianas, la crítica, incluso caricaturas a la sociedad burguesa, es lo que
define la temática de la pintura realista.
El público
consumidor de arte empieza a cambiar; aunque la burguesía sea aun el
principal comprador, se generaliza el público como un consumidor anónimo que
acude a las galerías y a los salones a conocer el arte más novedoso. Pero a
este público le interesaban sobre todo
los valores reconocidos por la crítica oficial, mientras que para muchos de
los artistas su interés era
completamente el contrario. La distancia entre público y artista se fue
ensanchando hasta acabar por ser aceptada, apareciendo el artista maldito, el
bohemio y figuras ya típicas de la historia del arte del siglo XIX y XX.
Finalmente, el realismo fue una escuela fundamentalmente francesa, que ocupo
los años centrales del siglo XIX; París se convirtió en el centro artístico
mundial a donde acudían todos los que querían triunfar como artistas.
Gustave Courbet
ROMANTICISMO
El Romanticismo es un movimiento
cultural originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo xviii
como una reacción revolucionaria contra
el racionalismo de la Ilustración y el
Neoclasicismo, confiriendo prioridad
a los sentimientos. Su característica
fundamental es la ruptura con la
tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda
constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a
que el Romanticismo es una manera de
sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo que se presenta
de manera distinta y particular en
cada país donde se desarrolla, incluso dentro de una misma nación, se
manifiestan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.
Es propio de este movimiento un gran aprecio de lo personal, un
subjetivismo e individualismo absoluto,
un culto al yo fundamental y al carácter nacional o Volksgeist, frente a la
universalidad y sociabilidad de la Ilustración en el siglo xviii; en ese
sentido los héroes románticos son,
con frecuencia, prototipos de rebeldía
(Don Juan, el pirata, Prometeo) y los autores
románticos quebrantan cualquier normativa o tradición cultural que ahogue su
libertad, como por ejemplo las tres unidades aristotélicas (acción, tiempo y lugar) y la de estilo (mezclando
prosa y verso y utilizando polimetría en el teatro), o revolucionando la
métrica y volviendo a rimas más libres y populares como la asonante.
Igualmente, una renovación de temas y ambientes, y, por contraste al Siglo de
las Luces (Ilustración), prefieren los
ambientes nocturnos y luctuosos, los lugares sórdidos y ruinosos
(siniestrismo); venerando y buscando
tanto las historias fantásticas como la superstición.
Joseph Mallord William Turner
Francisco de Goya
ACADEMICISMO
En Arte, se habla de una obra u
obras académicas cuando en estas se observan
unas normas consideradas “clásicas” establecidas, generalmente, por una
Academia de Artes. Las obras académicas suelen hacer gala de una gran calidad técnica. El antiacademicismo suele ser, en cambio, signo de rebeldía y de renovación.
El academicismo es una corriente
artística que se desarrolla principalmente en Francia a lo largo del siglo XIX,
y que responde a las instrucciones de la Academia de Bellas Artes de París y al
gusto medio burgués, como herencia del Clasicismo. El academicismo huye,
asimismo, del realismo naturalista,
esto es, de los aspectos más
desagradables de la realidad.
Se utilizan los mismos patrones repetidamente, ya que no se busca una belleza ideal partiendo de las bellezas reales,
como es propio del Clasicismo, que resulta ser un Idealismo con base en la
realidad por su suma de experiencia. El
Academicismo basa su estética en cánones establecidos y en la didáctica de
éstos.
William Adolphe Bouguereau
Eugène Emmanuel Amaury Duval
Alexandre Cabanel
Jean Auguste Dominique Ingres - El maestro de las texturas.
Jacques-Louis David
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