FOTOGRAFIA Parte 1

Eadweard Muybridge

Sus experimentos sobre la cronofotografía sirvieron de base para el posterior invento del cinematógrafo. Inicio con la encuadernación y venta de libros, hasta que este inicio su proceso de desarrollo en la fotografía.

En 1872 había un gran debate entre Leland Stanford y James Keene, Stanford afirmaba que durante el galope había un momento donde las 4 patas del caballo no tocaban el suelo, mientras que el grupo Keene afirmaba lo contrario. Fue entonces cuando Eadweard Muybridge entra en escena. Fracaso en su primer intento en 1872, donde pretendía capturar  la silueta del caballo pero la tecnología de la época no se lo permitió porque el obturador manual era demasiado lento como para lograr un tiempo de exposición tan breve como precisaba. Muybridge desistió durante un tiempo de estos experimentos. Más adelante realizó un extenso viaje por América Central y América del Sur, donde fotografió las construcciones de las líneas ferroviarias. Al volver, reemprendió su trabajo sobre la fotografía de acción, y en abril de 1873 logró producir mejores negativos, en los que fue posible reconocer la silueta de un caballo. Esta serie de fotografías aclaraba el misterio (le daba la razón a Stanford), pues mostraba las cuatro patas del caballo por encima del suelo, todas en el mismo instante de tiempo. Stanford, impresionado con el resultado del experimento, que se conocería más tarde con el título El caballo en movimiento.

Debido a sus éxitos científicos, Muybridge se dedicó a registrar los movimientos de los seres humanos y de los animales del zoológico de Filadelfia. Las fotos resultantes se publicaron con ayuda de la Universidad de Filadelfia en 1887 en el libro Animal Locomotion (Locomoción animal), que sigue siendo la obra de referencia básica sobre el movimiento humano y animal. Escribió también The Attitudes of Animals in Motion (Las posturas de los animales en movimiento, 1881) cuyas imágenes, sumadas a las de Animal Locomotion, dan un total de 100.000 planchas fotográficas. Algunos de sus últimos trabajos se publicaron con los títulos Animals in Motion (Animales en movimiento) y The Human Figure in Motion (La figura humana en movimiento, 1901). Las imágenes de los 71 discos de su zoopraxiscopio que han sobrevivido se han reproducido en el libro Eadweard Muybridge: The Kingston Museum Bequest (The Projection Box).

El caballo en movimiento

Eadweard Muybridge

Alfred Stieglitz

Alfred Stieglitz fue un fotógrafo con una amplia visión descriptiva de las cosas, se casó en 1893 debido a su atracción a mujeres jóvenes, pero fue echado de su casa por su esposa en ese entonces al cacharlo con Georgia O’Keeffe en una sesión fotográfica.  Esta más tarde se convertiría en su esposa y musa en 1924 después de su divorcio en 1918. Ella era una artista reconocida estadounidense, pionera en el campo de las artes visuales y famosa residente de Nuevo México, el por otro lado, se convertiría en uno de los mejores fotógrafos del siglo 19 y 20.

Logro romper la barrera de lo íntimo, de hecho convirtió su esposa en su musa, convirtiéndola en la mujer más importante en la cultura norteamericana en esos tiempos mediante poemas fotográficos. Fue el principal fotógrafo de Nueva York y tuvo grandes aportes en múltiples museos, 2 de sus obras más reconocidas son: La ciudad de las ambiciones y Nubes. 

Ciudad de las ambiciones

Stieglitz quería mostrar un nuevo paisaje, americano y moderno. Mientras su segunda esposa, la pintora Georgia o´Keeffe (tras pintar las mismas escenas urbanas que Stieglitz fotografiaba) se instalaba en el sur del país para evocar la tierra ancestral, Stieglitz equiparaba los rascacielos y su estructura metálica con árboles que componían la naturaleza del siglo XX. Las torres no se oponían a la naturaleza, sino que la creaban. Se alzaban hacia la luz desde la oscuridad de las estrechas fallas entre las construcciones. Los edificios, como el Flatiron, se asemejaban también a naves de hierro listas para partir al nuevo mundo. Siempre a lo lejos, rascacielos aún en construcción.

El deseo de revelar la nueva realidad americana estaba en sintonía con las galerías de arte que Stieglitz abrió en Nueva York, en particular, la Galería 291, en la que expusieron, en las primeras décadas del siglo XX, los principales artistas europeos de vanguardia, cuyas preocupaciones tanto formales cuanto metafísicas tenían una exacta correspondencia en la composición del nuevo mundo -urbano- que Stieglitz anunciaba.

Edward Steichen 

Se caracterizó por obtener fotos con atmosfera, ya sea a la luz de la noche o bien, un trabajo con silueta. Tomó su primera foto en 1895 y posteriormente fue miembro del Photo-Secession, (club de fotografía artística) y uno de los mayores representantes del Pictorialismo. Durante la primera guerra mundial se dedicó en ella como fotógrafo. Más tarde trabajó para las revistas de moda Vanity Fair y Vogue y durante la segunda guerra mundial dirigió la sección de fotografía de la US-Marine y posteriormente dirigió la sección de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).

Su aportación más importante a la fotografía es la exposición The Family of Man que realizó para el MoMA. Esta exposición fue ideada en los años 1950 por el fotógrafo estadounidense y director del departamento de fotografía del MOMA, Edward Steichen, y su asistente Wayne Miller. Con ella pretendían ofrecer una visión general de las manifestaciones humanas, de sus singularidades y de las analogías entre diferentes grupos étnicos y culturales. La selección de las fotos duró más de tres años y se recibieron sobre cuatro millones de fotografías que tras la selección quedaron reducidas a medio millar.

Madre emigrante (1936), Dorothea Lange.

Lewis Hine

El maneja una fotografía real, no ve caso hacer metáforas cuando hay muchas cosas reales que ver, considera que la pintura puede ser abstracta al ser creada pero las imágenes deben ser reales por ser capturadas, critica muchas fotografías actuadas. Muestra los temas negros de conversación social, como por ejemplo los niños trabajadores como parte oscura de la cultura norteamericana y la sobreexplotación. Él fue el creador de la fotografía social y clava la mirada donde nadie más quiere hacerlo.  

Hine estudio sociología  y valoro a la cámara como un instrumento para la investigación, convirtiéndolo en una forma de comunicar sus enseñanzas a otros investigadores, camaradas y niños de su colegio. A la hora de realizar fotografías (él las realizaba con fines sociológicos) se veía antes como figura artística que como científico. 

Equipo de béisbol compuesto por niños trabajadores de una fábrica de vidrio. Indiana, agosto de 1908.

Una pequeña hiladora en la factoría Mollohan Mills, Newberry, Carolina del Sur (1908).

Subiendo el mástil, Edificio Empire State, 1932.

Niños trabajadores en una fábrica de vidrio. Indiana, 1908.

Muy preocupado por el bienestar de los menos favorecidos, registró la llegada de los inmigrantes a la Isla de Ellis, sus asentamientos en insalubres viviendas, sus trabajos en fábricas y tiendas y a sus hijos jugando en los cubos de basura. Hine comprendía la subjetividad de sus fotografías pero también creía que tenían un enorme poder de crítica, llegando a describir sus fotografías como "fotointerpretaciones". También resaltó cualidades positivas como la asistencias de la Cruz Roja en Centroeuropa. En 1932 publicó su colección Men at Work, documento fotográfico sobre la construcción del Empire State.

Ansel Adams

Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.

Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.

Hansel Adams

Ansel Adams: Montañas Tetons y el río Snake (Serpiente).

Ansel Adams: Amanecer, Lago McDonald, Parque Nacional Glacier (1942).

En 1941, Adams fue contratado por el Departamento del Interior del Gobierno de los EE.UU. para hacer fotos de parques naturales, reservas aborígenes y otros lugares, para ser usadas como fotografías murales en el nuevo edificio del Departamento en Washington, DC. Parte de su acuerdo con el Departamento fue que podría también hacer fotografías para su propio uso, ocupando su propia película y revelado. A pesar de que Adams guardó registros meticulosos de su viaje y sus gastos, fue menos disciplinado con el registro de las fechas de sus imágenes y se negó a registrar la fecha de "Moonrise over Hernandez", por lo que no quedó claro si pertenecía a Adams o al Gobierno de EEUU. La posición de la luna permitió que la imagen fuera fechada mediante cálculos astronómicos y se determinó que fue tomada el 1 de noviembre de 1941, una jornada que Adams no había trabajado para el Departamento, por lo cual la imagen pertenecía a Adams. Lo misma disputa resultó no ser verdadera en muchos otros negativos, incluyendo The Tetons y Río serpiente que, habiendo sido realizados para el proyecto Mural, son propiedad del gobierno de EEUU. El proyecto Mural se detuvo por la entrada en la Segunda Guerra Mundial de los Estados Unidos en 1942, y nunca fue terminado.

Weegee

Weegee está considerado un fotógrafo de noticias indiscreto especializado en documentar el ambiente callejero de Nueva York mediante sus desgarradoras fotografías en blanco y negro. Las fotografías de Weegee mostrando escenas de crímenes, víctimas de accidentes de tráfico ensangrentadas o playas urbanas abarrotadas siguen resultando estremecedoras. Sin embargo, como yuxtaposición, Weegee también fotografió a las damas de la alta sociedad neoyorquina vestidas con sus armiños y diademas. Se podría decir que él fue el inventor de las fotografías amarillistas.

En el año 1938, Fellig era el único reportero gráfico de Nueva York que poseía un permiso para llevar consigo una radio portátil de onda corta con la frecuencia de la policía. Tenía instalado un cuarto oscuro en el maletero de su coche para acelerar el proceso de entrega de sus fotografías a los periódicos. Weegee casi siempre trabajaba durante la noche como fotógrafo freelance; escuchaba la radio atentamente llegando a las escenas, en ocasiones, antes que los propios policías.

La mayoría de sus fotografías más famosas fueron tomadas con un equipo fotográfico muy básico y con las técnicas de la época. Weegee no recibió formación fotográfica alguna sino que fue siempre un fotógrafo autodidacta, así como un gran promotor de sí mismo.

Weegee

Diane Arbus

Arbus fue una fotógrafa que eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza". Fue pionera del flash de relleno (flash de día). La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza.

Para ella no existe el momento decisivo, trabaja en continuo espacio temporal y obliga a los retratados a que sean conscientes de que están siendo retratados. Busca una mirada nueva, pasando del tedio a la fascinación

Diene Arbus y una de sus obras

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En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicida. Un año más tarde su trabajo es seleccionado para participar en la Bienal de Venecia, siendo la primera fotógrafa estadounidense en ser seleccionada, y el MoMA de Nueva York organiza su primera gran retrospectiva.